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Tune Yards – Bizness (análisis)

 

 

Un niño.

Todos tenemos un niño adentro. Un niño que sonríe, que tiene caprichos, que llora. A veces, por algún motivo, ese niño sólo se encierra en sí mismo a llorar y se olvida de las otras cosas.

 

Una niña —la niña de alguien— se atreve a gritar. Probablemente le han hecho algo.

Probablemente un señor malo la hizo llorar. Quizá un familiar o un vecino. Pero ella se sostiene, se revela, se pone a gritar. Tiene la fuerza de espíritu suficiente para volverse una líder. Lucha por una causa, se queja.

 

Miren el vídeo y saquen sus propias conclusiones, mi análisis está luego del clip musical:

 

 

 

Interpretación personal.

Esa niña que tiene el coraje y se levanta entre la clase de pequeños alumnos probablemente sería una niña violada. Los primeros dicen qué pasaría si ella representara a la persona que le hizo daño, entonces el resto de los niños, también víctimas, podrían alejar de sus vidas todo lo que temen. Esta idea es muy fuerte, asociado a la clase de niños, sobre todo con las marcas de colores que tienen sobre el rostro y otros accesorios, probablemente representando heridas y hematomas resultantes de una violación.

Además, cuando los niños crecen es fácilmente ver cómo han querido representar “el niño dolido” que llevan adentro todas las personas que han sufrido una violación, un acoso sexual, o alguna experiencia traumática de este tipo.

Esta hipótesis queda totalmente reforzada cuando en el estribillo los Tune Yards cantan un: “Don’t take my life away! Don’t take my life away!”, que significa: ¡No me robés la vida!, con una traducción quizás más adecuada a un: “¡No me arruinés la vida!”, o “¡No me cagués la vida!”.

 

Busqué otras interpretaciones porque el vídeo me impactó tanto que me dejó pensando. Dije “esto va derecho al blog”, como un feedback de este grupo genial, que además de deleitarnos con su música nos ofrece una hemorragia de emociones. Inclusive busqué otras interpretaciones y muchas personas opinaron exactamente lo mismo que yo, que se trataba de víctimas de violaciones.

 

Volvamos al verso de “Don’t take my life away! Don’t take my life away!”. La manera en la que ellos cantan esta frase, en una forma tan rápida, repetitiva, y con tonos que parecen una queja rozando un llanto, sugiere algo terrible. En el coro parecería que Garbus describe perfectamente una violación, vean la siguiente forma de interpretarlo: “¿Cuál es el tema aquí? ¡No me arruines la vida! ¡Desde la distancia, no me arruines la vida! ¡Soy una víctima, sí; no me arruines la vida! ¡Soy adicta, sí; no me arruines la vida!”.

Es clarísimo. Al principio niños hablando de alguien que les hizo daño, que les sembró temor, un miedo que necesitan comprender (“But help please at least answer me this”: Pero al menos, por favor, podrías ayudarme a responderme esto); luego de todas esas dudas y el sufrimiento, viene el coro, en el que textualmente dice que es una víctima y una adicta. La frase más acorde aquí sería adicción al sexo. Todos sabemos que las personas violadas no siempre lograr integrar todas sus emociones de grandes, y se desarrollan a veces con unos problemas brutales: adicción al sexo o todo lo contrario, la víctima les hizo tanto daño que no se dejan tocar por nadie y casi nunca tienen relaciones.

 

La frase que abre el coro (“What’s the business?”), que yo traduje como “¿Cuál es el tema aquí?“, algunas personas de habla inglesa sugieren que probablemente estaría preguntando “¿Qué mierda pasa así?”, sugiriendo que el violador se acerca (“From a distance”), o que ya está realizando el acto sexual (o que ya finalizó), dejando a la víctima enojada y confundida, porque no lo canta en una forma lírica, sino que casi grita el: “What’s the business?”.  Creo que el cuadro más visual se logra con el “Soy una víctima. Soy una adicta”, que en sí no termino de definir si lo dice porque lo realmente lo siente o porque trata de hacer sentir culpable, y en cierta cargarle su venganza, al violador. Aquí el “¡No me quites la vida!”, sigue teniendo el mismo concepto: una plegaria para que no los dañen más.

Por ahí leí que WhoKill es un álbum que parecería lidiar con temas similares como éste, que al principio se ven de forma superficial, pero que uno después puede analizarlos a un nivel más profundo para interpretar estos actos como verdaderas metáforas para las razones personales y las inseguridades, traumas, etc., expresadas en la canción.

Una canción linda para escuchar, un vídeo colorido, genial. Pero si nosotros lo analizamos atravesando esa cáscara enérgica, y loca que pareciera ser el vídeo, nos encontramos que esas expresiones corporales tan particulares en realidad tratan de expresar el infierno que siente una persona violada.

 

Al final del tema, hay una oración que expresa “I’ll bleed if you ask me” (Yo sangraré si me lo pides), que se lo dice la víctima al violador luego de que se encuentran una segunda vez (We end up around the mountain that I climb to lose you), y el violador le responde simplemente: NO (“That’s when he said no”), antes de entrar al coro tan dramático una vez más. Aquí la interpretación se obra, hay personas que piensan que ella se vuelve una violadora cuando llega a grande, yo creo que no, que el hecho de decir “Yo sangraré si me lo pides” es una forma más de decir “Ya me quitaste la vida, hacé conmigo lo que quieras”, porque el hecho que después “él diga no”, en realidad para mí significa que él no dejó que ella superara el trauma, que ella no pudo siquiera hablar con la víctima cuando se la encontró por segunda vez. Por eso toda la rabia y quiere que él también “sangre” cuando la haga sangrar a ella.

Obviamente todos estos elementos en el tema tienen muchas interpretaciones, por ahí leí que a otra persona le pareció que el tema hablaba de las drogas. Pero si analizamos la letra de la canción de forma literal y vemos las expresiones corporales, es fácil darse cuenta que la hipótesis de la violación es la más probable. Inclusive porque los gestos corporales en una parte representan la angustia, la culpa y el orgasmo en el momento de la violación.

O al menos así me pareció.

 

¡Espero que les haya gustado el análisis, o al menos la canción! Traten de no cantar cualquier cosa que escuchan sin saber qué significa la letra, ¡porque pueden terminar diciendo cosas brutales!

 

Si les gustó la entrada, compártanla… ¡DILE NO A LA PEDOFILIA!

 

 

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(CC) ESTO TE VA A GUSTAR.

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REFERENCIAS

 


Review: Beautiful – Tan Bionica (video)


 

Antes que nada quería decirles que el comienzo de este tema me dejó una leve sensación de extrañamiento (es esa la palabra, aunque suene feo), porque hasta hace poco iba a un coro y ya no canto más. La verdad que estaba enamorándome cada día más de la música, razón por la cual desde el principio del vídeo este tema me impactó bastante.

Como verán, comienza con una escena donde hay una partitura escrita, y pareciera como si le dieran play luego de dejar cargada la canción en un software de música, al estilo de Finale o Cakewalk, tan usado por los directores de coros y/o músicos. Por las dudas no doy más vocablos técnicos porque seguro que “me la mando” con algún desliz técnico y estilístico.

Este vídeo sale en la HOTLIST del último número de la Revista Rolling Stone, lamentablemente después del nuevo tema de Coldplay. No pongo en duda la calidad de dicha revista, pero sí me hubiera gustado ver el videoclip de Tan Bionica en cuarto lugar, al menos, dado que es más original (si quieren leer del posible plagio de Coldplay, sigan el link anterior).

 

 

Mi apreciación personal

La estética del videoclip es muy pura, limpia, las tonalidades blancas junto al look fresco del cantante generan una sensación de tranquilidad, que mezclada con el elevado erotismo que queda plasmado en un plano energético de la canción generan una sensación de confort increíble. Bueno, a mí me generó eso, la voz de este hombre me relaja mucho, pero seguramente a muchas personas también les generará que se les prendan fuego las bombachas y los bóxers en un frenesí descontrolado por partirle la boca de un beso.

 

 

¿Vieron qué poético que es el tema?

Salvando por la parte donde dice que Beautiful suena a “libertad” (verso que me resultó un poco estúpido) es un tema increíble. Lamento realmente que me moleste el verso más importante del tema, considero que es el más decisivo porque es el que lleva el nombre de la canción, pero además de esto pienso que existe una obligación tácita, implícita, de titular a las canciones en inglés para que tengan mejor cabida en la industria musical. Creo que la crítica más fuerte que se le puede hacer a los artistas de habla hispana es que necesiten de otro idioma para que sus letras suenen “más top”. A ellos no les hace falta, pero seguramente tiene que ver con el estilo pop, un tanto plástico, que tienen.

Pero volviendo a la parte de la letra donde dice que “Beautiful” le suena a “libertad”, no sólo que me resultó gracioso sino que a uno le golpea la cacofonía de ese fragmento. No soy un experto de música y esta es mi apreciación personal, pero opino que la viene trayendo re bien hasta ese verso donde todo se cae y se dobla, y cae ante la potencia de un simple verso.

Me refiero a “verso” porque la canción está escrita como un poema.

Un punto a favor es el color intenso de las imágenes, hace que el vídeo sea fresco, energético, jovial. Lo malo es que mi subconsciente invocó los videos de Miranda cuando vi ciertas tomas y ropas que usaban, cuando vi por primera vez esta tema (anoche en una estación de servicio, porque me quedé tirado en la calle porque sin querer me atravesaron la llave y no pude entrar). Miranda no tiene nada que ver, pero lo traigo a colación simplemente porque me acordaba de ellos cuando vi el video.

 

Otra de las cosas que me fascinó fue la modulación casi exagerada del cantante cuando pronuncia la letra. Me gustó porque sumado al comienzo habla bien del cantante, nos da a entender que no es un tipo cualquiera que un día se levantó y dijo “Yo quiero cantar”, no. Sabe de técnica. Sabe que a pesar generalmente los cantantes no vocalizan, impostan, y afinan bien… la boca tiene una forma predeterminada (la correcta, la única) para pronunciar la A, la E, la I, la O, la U. Mírenle la boca a partir del minuto 2:16, recuerdo a mi profesor de canto diciéndome lo importante que es abrir bien la boca para cantar, porque toda la cavidad bucal actúa como caja de resonancia.

No sé si esto se debe a que el cantante además de integrar el equipo Tan Bionica sabe de canto coral, pero es como generalmente se canta en los coros. (Y como todos los cantantes deberían cantar, vocalizando bien, impostando bien)

 

Otra de las cosas es que me gustó que haya nombrado el “tango” y que el grupo esté vestido como si hubieran estado en la oficina y se hubieran juntado a cantar. Las dos cosas juntas me hacen pensar en la evolución que tuvo el tango, cuando llega a su versión 2.0 con “Balada para un loco” de Astor Piazzolla. Luego de él, el tango da un giro importante y cambia su eje temático, y la angustia, soledad, depresión que les generaba a los “compadritos” el haber perdido su lugar de nacimiento buscando el éxito económico en la gran ciudad se transforma en un género musical donde comienzan a aparecer simbolismos urbanos. Entonces el tango se urbaniza, evoluciona, y se crea una evolución del género que deriva en Piazzolla y otros artistas posteriores. Desearía que la relación entre “tango” y “oficina” no sea accidental, y semióticamente estén ligados a la historia de la música de una forma consciente. Aunque si fuera accidental igual equivaldría a que el autor de la letra conoce muchísimo de la historia de la música y esto queda plasmado en la canción (a pesar de ese desliz que me resultó cacofónico).

 

Otra cosa que quería agregar respecto a la parte de la letra donde dice:

“Y este amor es como flores de aluminio
que se oxidan cuando las querés regar,
que nos hace encapricharnos como chicos
que lloran porque extrañan a mamá”.

es que las flores de aluminio no pueden oxidarse, generalmente el aluminio en contacto con el aire atmosférico se oxida espontáneamente, por eso deben pulirse las ollas de aluminio para que queden brillantes. El aluminio se “pasiva” (no reacciona químicamente) gracias a esa capa de óxido que se genera por el contacto íntimo entre el oxígeno y el aluminio, que dicho sea de paso es buenísimo que sea así porque de otra manera estaríamos incoporando aluminio en nuestro organismo cuando cocinamos.

Así que grábenselo en la mente: “Las flores de aluminio no pueden oxidarse porque ya están oxidadas”, aunque creo que la explicación científica de una parte de la letra de la canción ya es demasiado…

 

¡A pesar de esto, la metáfora de “flores de aluminio” (y “cama de hojalata”) en un tema pop me resultan brillantes! Me resultó un tanto chocante, vulgar e innecesario cuando dice “Este amor es como un helado caliente que te quema cuando lo querés chupar”.

Creo que de los últimos grupos que he estado escuchando estos días ellos han sido los mejores, por eso quería subir una entrada de ellos.

Altamente recomendados, no compren su último CD, consigan la discografía entera que no se van a arrepentir. ¡Se los aseguro! Tengo que agregar que la placa que posee este tema (Beautiful), se llama “Obsesionario”, y tuvo que ser lanzado por tercera vez a principios de este año porque tuvo tanto éxito que rápidamente se agotaron todos los ejemplares…

Ahora les digo, después de ver el paneo de los bultos de los integrantes de la banda van a tener que planificar como 5 reediciones más de esta placa, porque si evaluamos que ellos son lindos, la voz sexy del cantante y el poder intrínseco que puede llegar a tener un buen bulto masculino… ¡seguramente se hacen muy, muy famosos! jaja!

 

Breve comentario en la revista Rolling Stone acerca de este video:

“Después de impactar en los rankings radiales con el hook de “Ella” (Ella tiene un look, tiene un look…), suman para convertirse en la nueva gran cosa con este clip: un recorte cromático de sus intenciones, que los deja en el medio entre Manu Quieto y Dread Mar-I”. Revista Rolling Stone N° 160.

 

 

 

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Review: Source Code – Código Fuente (2011)

Apreciación personal

Muy buena película, por partes me hacía recordar esas escenas cíclicas que sucedían en El Periódico del Terror (Conocida también como “Premonición”, una película japonesa titulada como “Yogen” o “”Kyofu Shinbun”). Les decía que en algunas escenas me hacía recordar esa película, porque por razones diferentes la trama se vuelve cíclica.

En “Periódico del Terror” habían unas escenas que se repetían porque el hombre revivía la muerte de su hija, y había una escena donde al querer cambiar el pasado, se moría su esposa. Esa muerte circular, esa espiral de muerte y desolación que existía a la mitad de la historia de Periódico del Terror, si bien estaba relacionada con el karma, el sufrimiento del alma que está atada al Samsara y con los registros Akáshicos tan nombrados por las religiones orientales (budismo e hinduísmo); ese mismo espiral de muerte y tormento era muy parecido a lo que me hizo sentir “Source Code”, aunque el motivo es diferente. En “Código Fuente” toda la película se trata de un hombre, llamado Colter Stevens, que vuelve al pasado, utilizando tecnología de avanzada, para intentar recopilar información acerca de lo que sucedió en un atentado, donde murieron muchas personas por la explosión de una bomba muy poderosa, para evitar un segundo atentado y salvar así la vida de dos millones de norteamericanos.

La persona que mandan al pasado (lo narro así porque eso es lo que él cree que es), se llama Colter Stevens y es un soldado que ha luchado en Afganistán. Él lentamente se va enterando que los amigos que formaban parte del pelotón que él estaba han muerto. Lo obligan a “volver al pasado” muchas veces antes de que le informen realmente qué es lo que está sucediendo, le dan más información porque él quiere salvar a todas las personas inocentes que mueren al tren donde él viaja. Hasta que un científico le explica que en realidad la tecnología no logra “viajar en el tiempo”, sino recrear el pasado, la terminología exacta utilizada en la película es que usan la física cuántica para reasignar el tiempo, y a esa tecnología la fusionan con los conocimientos que tienen del “Código Fuente”, que vendría siendo un espacio virtual al que acceden gracias al cerebro de una persona muerta, que puede recolectar información relacionada con 8 minutos antes de su muerte. Por eso, cada viaje que el soldado realiza puede durar como máximo 8 minutos. Digamos que el cerebro es el “hardware” necesario para conectar la información del pasado con el mundo real y todo lo que experimentan (para la ciencia) es una ilusión, una sombra, una mentira. La gente con la que él entra en contacto se ve real, inclusive él intenta cambiar lo que sucede salvando a una chica de la que se enamora (de tanto viajar), y cuando vuelve al “presente” le dicen que nada ha cambiado, que ella ha muerto.

A esto me refiero con el sentimiento de “muerte en espiral”, es una muerte que se recrea a sí misma, él llega a enamorarse de alguien que ha muerto, a pesar que entra en el cuerpo de una persona muerta, en una experiencia cuántica, intentando distorsionar el eje de espacio-tiempo-energía para que ella (y el resto de los pasajeros) no muera.

Gradualmente, él va percibiendo cosas extrañas, como por ejemplo: cada vez que él vuelve al “presente” se encuentra en una cápsula que se va modificando misteriosamente, se siente encerrado, quiere salir, y nadie le dice dónde se encuentra. Cree que ha estado en Afganistán dos días atrás pero ha estado “viajando en el tiempo” durante los últimos meses, hasta que le revelan un poco más de información: él se entera que todos sus compañeros han muerto y que “muchos soldados quisieran estar en su lugar, salvando otras vidas”.

Le cuesta poco esfuerzo darse cuenta que algo ha salido mal, él duda hasta que ha muerto, pero la verdad es que salió de la guerra gravemente herido y la única forma de seguir “sirviendo a su patria” es continuar con lo que ya está haciendo.

 

Él encuentra al terrorista culpable de todas las muertes, cuando vuelve les revela el nombre y pueden capturar al culpable antes que detone una bomba que mataría 2 millones de personas. Y termina con un final bestial: pide que lo dejen volver al pasado antes que lo desconecten, para volver a ver a la mujer de la que se enamoró. Le quedan 8 minutos antes de dar el último suspiro y esta vez morir para siempre. No habrá un “presente” al que volver.

Él ha encuentra su presente en el que quiere vivir, está besando a la mujer que más ama, y no le importa que para el resto del mundo eso sea una mentira. Él podría seguir “viajando” y salvar más vidas, pero prefiere volver a estar una última vez con ella.

 

Y cuando su cronómetro marca que se terminaron los 8 minutos sucede algo imprevisible: él muere (en el presente “real”), pero su “yo” que viajó en el pasado había desactivado la bomba, para disfrutar todo el tiempo posible y sentir que los había salvado a todos. Finalizan los 8 minutos y él sigue vivo.

Como si la teoría del multiverso fuera real, y (uniendo ciencia con religión) la física cuántica le había dado una segunda posibilidad.

 

Final feliz, conmovedor, y una película llena de amor, ciencia-ficción y terrorismo. ¡Altamente recomendada para ver con tu pareja, sex-buddy, o la persona que querés conquistar!

 

 

Les dejo una reseña más breve que encontré en el Blog de Fanático:

El capitán Colter Stevens, un soldado que forma parte de un programa experimental del gobierno para investigar un atentado terrorista, despierta en la piel de un viajero del tiempo cuya misión es vivir una y otra vez el atentado a un tren hasta que consiga averiguar quién es el culpable. Guiado por una oficial de comunicaciones (Vera Farmiga) que controlará a Stevens en su viaje a través del tiempo, en el tren el joven conocerá a una viajera (Monaghan) con la que se implicará emocionalmente. (FILMAFFINITY)

 

Capturas de pantalla

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Para descargar “Source Code”: Visitá esta página

 

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Technicolor Fabrics – Todo (nuevo vídeo)

A pedido de uno de los integrantes de Technicolor Fabrics, Raúl Cabrera, aquí les presentamos un vídeo nuevo que tiene un poco más de un mes desde que se rodó. Me preguntó porque un día dio con mi blog por entradas viejas, y desde entonces debe haber memorizado nuestro blog de música, cosa que me fascinó por completo porque su grupo es uno de mis favoritos. Por razones de tiempo no he podido subir una entrada relacionada a esto, pero aquí tienen este vídeoclip que es relativamente nuevo. Disfrútenlo:

Con respecto al vídeo, me encantaron las imágenes del principio, un lugar desértico, con el suelo agrietado, donde lo primero que se ve, además de un hermoso paisaje, son los integrantes de la banda caminando con mucha actitud hacia la cámara. Hay que resaltar que el grupo muestra una imagen muy informal, con mucha actitud, vestidos bien, pero de forma muy sencilla. Digamos que este look se desprende totalmente de la onda que tiene el grupo: muy fresca, y por lo poco que he podido experimentar personalmente con ellos, son muy genuinos, sinceros y humildes. Cualidades que deberían tener todos los artistas, no, todas las personas. Porque antes que nada son seres humanos, y a pesar que son una banda de rock también predican con el buen ejemplo. Saber cantar, saber componer, saber tocar un instrumento no sirve de nada si uno no sabe “ser”; y ellos lo reúnen todo: carisma, buena imagen, vitalidad, buena música.

Además hay que reconocer que los integrantes de Technicolor Fabrics son muy “facheros” (por no decir lindos), seguramente las mujeres se tiran a sus pies en México. Para los que no lo saben, ellos son uno de los mejores grupos de música indie y según muchas revistas “han revolucionado la escena indie mexicana”, y también del mundo.

Personalmente, me fascina en este tema la letra, de un significado muy amplio, pero también concreto; definir el efecto que genera la música con la letra sería como tratar de definir la visión de una luz difundiéndose a través del tiempo sobre el océano del karma. Digamos que el efecto que generan sus canciones en mí tiene un sabor increíble, son la única banda de rock que me genera algo que no puedo terminar de definir en una sola palabra. Quizás sean detalles mínimos, pero fuertísimos, como que nombren en la letra un: “Porque no te puedes escapar del karma, en un tema que comienza con una melodía que te obliga a rendirte a la música, a meterte en tu interior y entrar en estado de trance. Fíjense que la melodía tiene un vaivén, un ir y venir, que es parecido a un océano tranquilo que en su profundidad esconde un mensaje emotivo, como el de un hombre diciéndole sus últimas palabras de frustración a su pareja.

Y todo termina.

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.

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Digamos que eso es lo que me generó el vídeo. Un vídeo asombroso, para ver muchas veces y luego compartir por Twitter y en tu muro de Facebook.

Les dejo los enlaces por si quieren saber más de Technicolor Fabrics, a continuación. ¡Más les vale que si leen esto me den un feedback!

[Más entradas de Technicolor Fabrics]

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