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Noelia Pompa – Haceme la co…

¡Enanita sexy!

Noelia Pompa y Hernán Piquín

 

Creo que en este vídeo van a encontrar una razón más por la cual ella se debería quedar en la TV bailando, pero nunca cantando.

Muy sugestivo el tema. Casi poético.
#ponele. 

 

¡Vean el video a continuación!

 

 

Lyrics – Haceme la co (Noelia Pompa)

Hace tiempo que yo ando buscando
un CD que me gusta, pero no lo encuentro,
que tiene el tema de “Las Chikis”
que a mi me recuerda muy buenos momentos. 


Le pedí a un amigo que me haga,
pero él me tiene esperanzada y yo le pido que:

Haceme la co… Haceme la co…
Haceme la copia del cd que quiero.

Ponela en el or… Ponela en el or…
Ponela en el orden que yo mas prefiero.


Si me haces el cu… Si me haces el cu…
Si me haces el cuento que no tienes tiempo,

verás mi oje… Verás mi oje…
Verás mi ojera del llanto que tengo.


Oh eh oh, Noelia vino para bailar…
Oh eh oh, Noelia vino para gozar…
Oh eh oh, Noelia vino para bailar…
Oh eh oh, Noelia vino para matar…


Ay, haceme la co…
Haceme la copia, papi.


Haceme la co… Haceme la co…
Haceme la copia del CD que quiero.


Ponela en el or… Ponela en el or…
Ponela en el orden que yo mas prefiero.


Si me haces el cu… Si me haces el cu…
Si me haces el cuento que no tienes tiempo,


Verás mi oje… Verás mi oje…
Verás mi ojera del llanto que tengo.

 

 

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Tune Yards – Bizness (análisis)

 

 

Un niño.

Todos tenemos un niño adentro. Un niño que sonríe, que tiene caprichos, que llora. A veces, por algún motivo, ese niño sólo se encierra en sí mismo a llorar y se olvida de las otras cosas.

 

Una niña —la niña de alguien— se atreve a gritar. Probablemente le han hecho algo.

Probablemente un señor malo la hizo llorar. Quizá un familiar o un vecino. Pero ella se sostiene, se revela, se pone a gritar. Tiene la fuerza de espíritu suficiente para volverse una líder. Lucha por una causa, se queja.

 

Miren el vídeo y saquen sus propias conclusiones, mi análisis está luego del clip musical:

 

 

 

Interpretación personal.

Esa niña que tiene el coraje y se levanta entre la clase de pequeños alumnos probablemente sería una niña violada. Los primeros dicen qué pasaría si ella representara a la persona que le hizo daño, entonces el resto de los niños, también víctimas, podrían alejar de sus vidas todo lo que temen. Esta idea es muy fuerte, asociado a la clase de niños, sobre todo con las marcas de colores que tienen sobre el rostro y otros accesorios, probablemente representando heridas y hematomas resultantes de una violación.

Además, cuando los niños crecen es fácilmente ver cómo han querido representar “el niño dolido” que llevan adentro todas las personas que han sufrido una violación, un acoso sexual, o alguna experiencia traumática de este tipo.

Esta hipótesis queda totalmente reforzada cuando en el estribillo los Tune Yards cantan un: “Don’t take my life away! Don’t take my life away!”, que significa: ¡No me robés la vida!, con una traducción quizás más adecuada a un: “¡No me arruinés la vida!”, o “¡No me cagués la vida!”.

 

Busqué otras interpretaciones porque el vídeo me impactó tanto que me dejó pensando. Dije “esto va derecho al blog”, como un feedback de este grupo genial, que además de deleitarnos con su música nos ofrece una hemorragia de emociones. Inclusive busqué otras interpretaciones y muchas personas opinaron exactamente lo mismo que yo, que se trataba de víctimas de violaciones.

 

Volvamos al verso de “Don’t take my life away! Don’t take my life away!”. La manera en la que ellos cantan esta frase, en una forma tan rápida, repetitiva, y con tonos que parecen una queja rozando un llanto, sugiere algo terrible. En el coro parecería que Garbus describe perfectamente una violación, vean la siguiente forma de interpretarlo: “¿Cuál es el tema aquí? ¡No me arruines la vida! ¡Desde la distancia, no me arruines la vida! ¡Soy una víctima, sí; no me arruines la vida! ¡Soy adicta, sí; no me arruines la vida!”.

Es clarísimo. Al principio niños hablando de alguien que les hizo daño, que les sembró temor, un miedo que necesitan comprender (“But help please at least answer me this”: Pero al menos, por favor, podrías ayudarme a responderme esto); luego de todas esas dudas y el sufrimiento, viene el coro, en el que textualmente dice que es una víctima y una adicta. La frase más acorde aquí sería adicción al sexo. Todos sabemos que las personas violadas no siempre lograr integrar todas sus emociones de grandes, y se desarrollan a veces con unos problemas brutales: adicción al sexo o todo lo contrario, la víctima les hizo tanto daño que no se dejan tocar por nadie y casi nunca tienen relaciones.

 

La frase que abre el coro (“What’s the business?”), que yo traduje como “¿Cuál es el tema aquí?“, algunas personas de habla inglesa sugieren que probablemente estaría preguntando “¿Qué mierda pasa así?”, sugiriendo que el violador se acerca (“From a distance”), o que ya está realizando el acto sexual (o que ya finalizó), dejando a la víctima enojada y confundida, porque no lo canta en una forma lírica, sino que casi grita el: “What’s the business?”.  Creo que el cuadro más visual se logra con el “Soy una víctima. Soy una adicta”, que en sí no termino de definir si lo dice porque lo realmente lo siente o porque trata de hacer sentir culpable, y en cierta cargarle su venganza, al violador. Aquí el “¡No me quites la vida!”, sigue teniendo el mismo concepto: una plegaria para que no los dañen más.

Por ahí leí que WhoKill es un álbum que parecería lidiar con temas similares como éste, que al principio se ven de forma superficial, pero que uno después puede analizarlos a un nivel más profundo para interpretar estos actos como verdaderas metáforas para las razones personales y las inseguridades, traumas, etc., expresadas en la canción.

Una canción linda para escuchar, un vídeo colorido, genial. Pero si nosotros lo analizamos atravesando esa cáscara enérgica, y loca que pareciera ser el vídeo, nos encontramos que esas expresiones corporales tan particulares en realidad tratan de expresar el infierno que siente una persona violada.

 

Al final del tema, hay una oración que expresa “I’ll bleed if you ask me” (Yo sangraré si me lo pides), que se lo dice la víctima al violador luego de que se encuentran una segunda vez (We end up around the mountain that I climb to lose you), y el violador le responde simplemente: NO (“That’s when he said no”), antes de entrar al coro tan dramático una vez más. Aquí la interpretación se obra, hay personas que piensan que ella se vuelve una violadora cuando llega a grande, yo creo que no, que el hecho de decir “Yo sangraré si me lo pides” es una forma más de decir “Ya me quitaste la vida, hacé conmigo lo que quieras”, porque el hecho que después “él diga no”, en realidad para mí significa que él no dejó que ella superara el trauma, que ella no pudo siquiera hablar con la víctima cuando se la encontró por segunda vez. Por eso toda la rabia y quiere que él también “sangre” cuando la haga sangrar a ella.

Obviamente todos estos elementos en el tema tienen muchas interpretaciones, por ahí leí que a otra persona le pareció que el tema hablaba de las drogas. Pero si analizamos la letra de la canción de forma literal y vemos las expresiones corporales, es fácil darse cuenta que la hipótesis de la violación es la más probable. Inclusive porque los gestos corporales en una parte representan la angustia, la culpa y el orgasmo en el momento de la violación.

O al menos así me pareció.

 

¡Espero que les haya gustado el análisis, o al menos la canción! Traten de no cantar cualquier cosa que escuchan sin saber qué significa la letra, ¡porque pueden terminar diciendo cosas brutales!

 

Si les gustó la entrada, compártanla… ¡DILE NO A LA PEDOFILIA!

 

 

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REFERENCIAS

 


Shakira – La Pared #LOL edition

Estas son las cosas que hacés con tus amigos los domingos cuando estás en las preparativas de enseñarle algunos consejos de canto, que por más que no soy profesor de canto (aclaro), igual nos divertimos bastante con estos resultados.

No les pongo la letra de esta versión de La Pared, de Shakira, porque sólo van a escuchar que cada palabra fue reemplazada por #LOL!!!

 

Una de las versiones es puramente LOL, pero la otra tiene un cover. Más les vale que comenten algo si se rieron con esto:

 

 

 

 

 

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Videos de Shakiro (imitador de Shakira)

Este tipo es increíble, además voy a aprovechar a subir esta entrada porque es Top Trend en Twitter Argentina. Tienen que escucharlo, el segundo video es cuando conoce a Shakira personalmente:

MEGA TV CHILE

CUANDO SHAKIRA CONOCIÓ A SHAKIRO:

SHAKIRO – DÓNDE ESTÁN LOS LADRONES

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Música, psicodelia, amor y poesía.

Fractal Art

Image via Wikipedia

EL CANTO DEL COSMOS

Me desnudé. Yo quería salir, viajar lejos.

Experimentar algo externo a mi yo interior.

Yo había probado la bebida de los dioses, así que caminé a la mesa y escribí “Amor” en una hoja en blanco.

Se rompió el marco de mi cuerpo y rápidamente vi cuadros flotando. Una hermosa galería de fractales me tocaba y yo brillaba. Vi a mi derecha un hombre de fuego, le cantaba la muerte a una ciudad en llamas.

De repente todo se hizo negro y yo vomité un millón de partículas muy brillantes. El hielo corría por mis venas y ardían todos mis chakras. Luego llegó un silencio intenso, y después reconocí un sonido que despertó mil ojos en mi cuerpo, que se abrían como flores. Todo comenzó a entonar una música, y me arrodillé.

Estaba cantando una melodía muy armoniosa como si ella fuera mi tributo al silencio.

Entonces aparecieron estos seres hechos de amor. Quizás eran ángeles pero parecían sábanas hechas de fractales. Yo estaba asombrado. Todo se llenó de auroras y sonidos mágicos, me ardía el pecho, mis brazos se abrían, mi corazón se incendiaba.

Yo quería fundirme con ellos.

E hicimos el amor mientras nosotros nos deshacíamos en el Universo y el Universo se disolvía en nosotros.

Deseaba que esa experiencia durase por siempre.

Pero todo se volvió negro y cuando todo perdió forma nuevamente me sentí atrapado en mi prisión de carne.  Deseaba volar y no podía.

Volver al cuerpo fue horrible.

Pero en mi ser tenía tatuado al amor que me había brindado un nuevo par de alas.

(C) RICARDO H. ORTIZ

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¿Cualquiera puede cantar en un coro vocacional?

Harry Belafonte 1954

En realidad cantar puede cualquiera, cantar afinado es otra cosa. Hablando más técnicamente, podríamos decir que “cantar afinado” es poder emitir el sonido a la misma altura de la que se escucha. Digamos, si en la partitura figura que tenemos que cantar un “do” sostenido, tenemos que cantar un “do” sostenido y no otra cosa. Ojo, en un coro vocacional no es imprescindible saber interpretar una partitura, porque el aprendizaje se hace mediante repetición y hay técnicas que ayudan a prescindir de esto. No es lo mismo en los coros más reconocidos a nivel internacional, que son coros profesionales, en los cuales es obligatorio tener conocimientos avanzados de música para integrarlo.

Existe una tendencia a que todo el mundo cante y esto se debe al poder psicológico curativo de la música. Ahora, para integrar un coro, el requisito sine qua non es la afinación. O sea, simplemente repetir el sonido que se escucha exactamente con las mismas notas.

Hay otras cosas que favorecen obviamente la performance en un coro, que son: la disciplina, la constancia, y poseer algo de lectura musical.

Con respecto a la disciplina, hay un refrán muy conocido que dice “Sine musica, nulla vita. Sine vita, nulla musica. Sine disciplina, nulla musica” (Sin música, no hay vida. Sin vida, no hay música. Sin disciplina, no hay música).

Hay que tener en cuenta que en los coros vocacionales, el coreuta se va formando en el coro, aprendiendo a cantar adecuadamente. Y frecuentemente los coros rentados se comienzan a integrar por cantantes solistas que no lograron desempeñarse como tales; esto en definitiva redunda en la performance del coro y en la disciplina. Otra cosa importante para entrar al coro es el respeto por la autoridad (en este caso, el director del coro), y para que el coro triunfe como tal: la idoneidad de la autoridad. Digamos, si no tenemos respeto por la autoridad, terminaríamos cuestionando conocimientos musicales, y si el director de música no es idóneo todo se transforma en un gran caos y todos los esfuerzos terminan en la nada.

Por lo tanto, si no son constantes, ni disciplinados, ni afinados, si fallan como personas, son competitivos y no son buenos en las relaciones interpersonales seguramente no van a pasar de las primeras clases. ¡CHAN! Así que si usted reúne estas características, por favor absténgase de integrar un coro y confórmese con cantar en la ducha. ¡Muchas gracias!

ENTRADA ORIGINAL: Ricardo H. Ortiz y Juan Carlos Sáenz

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Los mejores coros del mundo

ESTUDIO CORAL DE BUENOS AIRES (Carlos López Puccio)

Estudio Coral de Buenos Aires

Este coro tiene como director a Carlos López Puccio, famosísimo por ser un miembro del conocido grupo humorista Les Luthiers. El Estudio Coral de Buenos Aires fue fundado en 1981 por un grupo de jóvenes músicos que ya contaban con una década de trabajo en el Conjunto Vocal “9 de Cámara”. Está integrado casi exclusivamente por músicos profesionales, convocados para interpretar música de cámara.

Su primera gira por Europa fue en el año 1996, actuando con un repertorio contemporáneo en importantes salas de España, Francia y Bélgica. El conjunto obtuvo un resonante éxito de público y de la crítica especializada, y por esto comenzó a ser considerarlo uno de los mejores coros de cámara del mundo.

Hasta hoy han sido editadas las siguientes grabaciones realizadas por el grupo: Zoltan Kodály, con obras a cappella de este compositor, Misa O Quam Gloriosum est Regnum y Motetes a Cuatro Voces de Tomás Luis de Victoria, Liebeslieder Walzer Op. 52 y Zigeunerlieder de Johannes Brahms y Compositores Norteamericanos Contemporáneos. Asimismo han participado acompañando a otros artistas en importantes grabaciones de difusión masiva tales como “Misa Criolla” de Ariel Ramírez junto a Mercedes Sosa (premio Grammy 2000) o “Día del Milenio” (Premio Carlos Gardel 2001) junto a Lito Vitale, que además fuera transmitido mundialmente por televisión.

El Estudio Coral de Buenos Aires ha sido reconocido con numerosos premios. En 1983 obtuvo el primer premio en el concurso nacional de coros realizado por la firma Coca-Cola. En 1997 fue distinguido por la “Asociación de Críticos Musicales de la Argentina” como mejor coro de cámara de la temporada. En 1999 fue premiado por la Fundación Konex como el grupo de cámara de más importante de la década.


CORO UNIVERSITARIO DE MENDOZA

Coro Universitario de Mendoza

El Coro Universitario de Mendoza fue creado el 12 de mayo de 1965 por el Maestro Felipe Vallesi y hasta el día de la fecha tiene muchísimos premios y distinciones a nivel internacional.

A partir de 1997 asume la responsabilidad de esta agrupación, pionera y decana de la actividad coral, la Prof. Silvana Vallesi.

Ha desarrollado una intensa labor artística difundiendo la música coral universal, ofreciendo numerosos conciertos en la totalidad de las provincias argentinas. Merecen destacarse, por la gran repercusión del público y de crítica especializada, las actuaciones en el Teatro Colón de Buenos Aires en 1971, 1975, 1977, 1980, 1988 y 2003, en el Luna Park en 1994 y 1995 y en el San Juan Coral 2006, de donde resultó especialmente invitado a participar en el X Internacional Chamber Choir Competition de Marktoberdorff, Alemania por las autoridades del Certamen.

En el exterior ha realizado conciertos en importantes salas de Alemania, Austria, Chile, Dinamarca, España, Estados Unidos, Francia, Grecia, Hungría, Italia, México, Noruega, Paraguay, Suecia, Vaticano y Venezuela. Recientemente, se destaca su participación en el 8º World Symposium on Choral Music -Copenhague, máximo evento de la música coral organizado por la “International Federation of Choral Music” cada trienio en distintos paises, que nuclea a los mejores directores en Workshops y Conferencias, y a los mejores Coros en los Conciertos Programados, seleccionado entre 29 coros de todo el mundo.

Actualmente su variado repertorio a capella se concentra fundamentalmente en la Música Contemporánea ofreciendo y difundiendo nuevas obras corales, estrenos y primeras audiciones de prestigiosos compositores argentinos y extranjeros. Como parte de su búsqueda en las Vanguardias del siglo XX y XXI, continua la realización de Acciones Interdisciplinarias.

THE SIXTEEN

Este es un coro británico especializado en música renacentista y barroca fundado por Harry Christophers en 1977. Son conocidos sobre todo por sus interpretaciones de polifonía de compositores ingleses.

Sus componentes proceden en su mayoría de los coros de la Universidad de Oxford y Cambridge. El coro tiene su propia orquesta llamada “The Symphony of Harmony and Invention”, también denominada a veces “The Sixteen Orchestra”.

Desde el año 2001, el grupo posee su propia compañía discográfica llamada Coro con la que lanzan sus nuevos discos y reeditan sus antiguas grabaciones procedentes del desaparecido sello Collins Classics.

The Sixteen aparecen regularmente en una serie de televisión de la BBC llamada Sacred Music.

THE TALLIS SCHOLARS (Peter Phillips)


The Tallis Scholars es un grupo británico que fue fundado en el año 1973 por el director Peter Phillips. Ellos se especializan en el canto a capella de la música sacra del Renacimiento. El grupo está compuesto normalmente por diez miembros y tienen su propio sello musical, llamado Gimell Records.

Además de su trabajo como músicos profesionales, algunos componentes del grupo tienen también actividades en el campo académico: Phillips ha publicado el libro English Sacred Music 1549-1649 y Sally Dunkley, Francis Steele y Deborah Roberts tienen actividades relacionadas con la publicación y edición de trabajos relacionados con el Renacimiento y el comienzo del Barroco.

KING’S SINGERS

King’s Sisters significa literalmente “Los cantantes del rey”. Es coro especializado en el canto a cappella. Su nombre recuerda al King’s College de Cambridge, Inglaterra, donde el grupo fue fundado por seis alumnos en 1968.

Su popularidad comienza hacia 1970 con la siguiente formación:

Es uno de los grupos vocales más populares en el mundo. Sus giras fueron principalmente por Europa y los Estados Unidos. El grupo se compone de seis cantantes, con miembros que cambian con el correr de los años. Su composición actual es la siguiente:

King’s Singers tiene una larga lista de conciertos, grabaciones, entrevistas y trabajos educativos esparcidos por todo el orbe. Abanderados en el trabajo de compositores jóvenes y bien establecidos los vuelven artistas de primera, con actuaciones elegantes que tienen un delicioso estilo inglés. Desde Gesualdo y György Ligeti hasta Michael Bublé, King’s Singers son reconocidos fácilmente en el terreno de la entonación, su mezcla impecable de voces, una articulación inmaculada y una rítmica perfecta.

Durante los años 2011-12, los King’s Singers actuarán alrededor del mundo en algunos de los auditorios más bellos del mundo, incluyendo el Salle Gaveau de Paris, el Berlin Philharmonie, y el Auditorio Warsaw Philharmonic Concert Hall. Los King’s Singers viajarán a Francia, Alemania, el Reino Unido, Canadá, Bulgaria, Hungaria, Bulgaria, Italia, y los Emiratos Árabes Unidos; Polonia, Armenia, Bélgica y los Países Bajos; Austria, Luxemburgo, Finlandia, México, Japón, Corea y China, además serán artistas principales en el festival de música Schleswig Holstein en julio del 2011.

Con una apabullante discografía de más de 150 grabaciones han recolectado innumerables premios y un clamor indiscutido entre los críticos y de los medios. Su álbum de estudio Simple Gifts ganó un premio Grammy® en el año 2009. Swimming over London, un disco que junta los temas preferidos de KS junto a canciones y arreglos nuevos, fue lanzado en el 2010 junto a un premiere mundial de Music for Vespers de Pachelbel con Charivari Agréable. Mientras estaban de gira en los Estados Unidos en febrero de 2010, King’s Singers grabó un álbum con el renombrado coro Concordia College Choir inluyendo comisiones de King’s Singers por Eric Whitacre y Bob Chilcott que será lanzado en el 2011. En enero de este año, en Londres, fue grabado un DVD que juntará un repertorio navideño que será lanzado este año.

ENTRADA ORIGINAL: Blog de Conjunto Vocal Raíces

FUENTES:

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Uso adecuado de la voz

En esta entrada podrás encontrar algunas claves y conceptos que recomendamos los pongas en práctica porque existen estudios serios que demuestran que pueden beneficiarte en el uso adecuado de la voz.

Hay que recordar que si durante años se han mantenido hábitos no dirigidos para el manejo correcto de la voz, el tratar de cambiarlos por aquellos que protegen y aumentan su eficiencia es algo que demanda un esfuerzo personal constante.

Está demostrado que hay situaciones que perjudican a la voz y que conviene evitarlas:

  • Aspirar por la boca.
  • Dormir con la boca abierta.
  • Dormir donde funcionan calefacción o refrigeración a niveles altos.
  • Golpear la glotis con el “titubeo” al hablar por teléfono o con el inicio con una vocal “golpeada”
  • Gritar.
  • Hablar al aire libre.
  • Hablar cuando se está agitado.
  • Hablar en lugares donde hay motores en marcha.
  • Hablar en lugares donde hay humo o polvillo
  • Hablar en reuniones donde hay muchos hablando.
  • Llorar y hablar al mismo tiempo.
  • Reír a carcajadas.
  • Respirar inadecuadamente.
  • Usar los llamados “bastones” mientras se piensa en lo que se dirá a continuación: “emmm, esteeeee, ammmm, estemm, bué… bueno, mmmmm”

Si aparece un estado de disfonía, o de cansancio vocal lo ideal es hacer reposo vocal pleno más la realización de los ejercicios de respiración que se enseñaron durante las clases.

El primer momento de la respiración, es decir la inspiración, se facilita realizarla como si se estuviera sintiendo un agradable aroma, en forma suave y profunda de modo que la capacidad pulmonar sea ocupada al máximo.

Para evitar la emisión de una voz “aplastada o chata” y al mismo tiempo facilitar las notas agudas es importante relajar el movimiento de la lengua, de la mandíbula y de los músculos faciales.

La realización de ejercicios faciales de relajación mejoran el trabajo expresivo para hablar y para cantar.

Denominamos “impostación” al trabajo de colocar la emisión de la voz a un nivel alto en el paladar y en los “resonadores” formados por las cavidades del macizo facial.

Se llama “ataque” al inicio de las frases habladas o cantadas, que se aconseja sea hecho con potencia y claridad.

Se entiende por “potencia” la intensidad de emisión de la voz, y para facilitarla se puede realizar como si se cantara o hablara para la última fila del público.

La buena “dicción” se basa en la pronunciación correcta de las consonantes, por ejemplo “B y P” (labiales explosivas) “L y N” (pálato linguales) “R” pronunciada a la italiana, en la punta de la lengua.

La buena “articulación” se basa en la pronunciación correcta de las vocales.

Está indicado que la dicción y la articulación deben realizarse con la lengua y los labios firmes y dóciles, funcionando a modo de una bisagra.

Resulta perjudicial hablar en voz baja, pero cuando es inevitable la situación conviene hablar en forma un poco más aguda que lo habitual.

La tos y la llamada “carraspera” originadas en el incorrecto uso de la voz, también son al mismo tiempo agresiones para el aparato fonador, las que se pueden reducir realizando el ejercicio de inspirar, apretar los labios y tragar saliva.

Resulta beneficioso para la salud vocal sustituir la lectura en voz alta o el canto por la realización de ejercicios de vocalización, por ello te recordamos las siguientes prácticas:

Ejercicios SIN SONIDO:

  1. De respiración: en 1, 2, 3 y 4 tiempos.
  2. De relajación: para el cuello, para la cabeza y para los hombros.
  3. Faciales: pasar la lengua alrededor y adelante de los dientes
  4. Soplar a la mano: el aire debe llegar frío, fino y sin tropiezos.
  5. Tomar aire sostener y exhalar como echando aliento, como soplando una vela, como silbando, como pidiendo silencio.
  6. Con la mandíbula hacia abajo, hacia arriba y hacia los costados.
  7. Como diciendo “PATO”, “DAE”.
  8. Imitar el motor de un helicóptero.
  9. Imitar el trote y sonido del descanso del caballo.
  10. Sacar la lengua bien relajada, emitir con aire y sin sonido, las vocales, como recurso extremo durante la actividad profesional que exige continuidad.

Ejercicios CON SONIDO:

  1. De impostación para encontrar y reconocer los resonadores: “MN”
  2. “MLONG” como si la n y la g sonaran en la nariz
  3. De articulación: “I E A O U”
  4. De flexibilización: “AUIUA”
  5. De timbrar: “RIL-ROL” (la “R” debe vibrar y “LA VOCAL” debe pasar rápido)
  6. De homogeneidad: cantar “La mar estaba serena”

Un recurso interesante para evaluar los avances alcanzados y las mejoras que se pueden introducir en la re-educación vocal es que grabes tu voz.

Esta aconsejado que si estás entre aquellas personas que utilizan la voz intensivamente, además de los cursos que puedas realizar, tomes clases guiadas de entrenamiento vocal en forma frecuente, para mantener los logros alcanzados y al mismo tiempo evitar toda una serie de problemas posibles, generalmente de consecuencias desagradables o irreversibles.

Con nuestro mayor afecto para vos y a favor de tu invalorable salud.

COLABORACIÓN: Prof. MIRTA LUCISANO y Dr. AURELIO GUERRERO


Consejos para cuidar la voz

Las canciones de canto son como el fisicoculturismo para tu laringe.

~Bernadette Peters

Daniel Handler cantando. 28-OCT-2006. Imagen via Wikipedia

Este artículo está orientado para todos aquellos profesionales (o no) que necesiten su voz para trabajar, ya sea hablada o cantada, para no incurrir en fonotraumas.

Aunque no lo sepamos, la mayoría de las personas están expuestas a sufrir un fonotrauma, dependiendo de las patologías que hayan adquirido o de sus profesiones (por ejemplo: maestras, profesores, cantantes, locutores, y otros) por lo tanto es importante que tengan ciertos cuidados para mantener el órgano fonador. Les dejo un vídeo donde pueden ver las cuerdas vocales, son esos músculos que funcionan como esfínteres en la deglución, lo van a identificar porque en el videoclip se ve algo que se abre y se cierra.

Indiscutiblemente las personas que ya han desarrollado una patología vocal o que están en riesgo de adquirirla, deben formar parte de un programa específico de higiene vocal en el que se tenga con el paciente un monitoreo meticuloso de dicho programa como parte del plan de tratamiento.

En un estudio realizado en una población de un grupo de profesionales en riesgo de sufrir desórdenes de la voz se encontró que luego de realizar un programa de cuatro sesiones en el que se trabajó anatomía y fisiología de la voz, perfil de abuso vocal, revisión de patología relacionadas con el abuso, instrucciones sobre técnica vocal y eliminación de abuso vocal; los profesionales que participaron percibieron una mejor calidad de su voz, tanto cantada como hablada, y valoraron los conocimientos adquiridos para desempeñarse mejor con la voz.

El abuso vocal es todo comportamiento vocal impropio y excesivo como carraspear, y gritar y el mal uso es el manejo inadecuado de las cualidades de la voz como en los momentos de imitaciones vocales, intensidades excesivas o susurradas, etc.

Estas malas praxis ocasionan conductas vocales violentas, aumento en la tensión de la musculatura extralaríngea y contactos fuertes en el momento del cierre glótico que llevan a lesiones en la mucosa, produciendo así un fonotrauma (alteración en los pliegues vocales como consecuencia del abuso y mal uso vocal).

El fonotrauma no sólo está causado por el abuso y mal uso de la voz, hay diferentes factores externos que lo producen, agravan o perpetúan y desencadenan alteraciones vocales desde leves hasta severas.

Como parte del trabajo vocal para prevenir estas alteraciones se debe incentivar la promoción de los cuidados e higiene vocal.

La higiene vocal significa una práctica de conductas vocales que no dañan o abusan de la estructura laríngea y que conlleva a reducir la fuerza y/o el contacto de los pliegues vocales logrando disminuir la irritación de la mucosa.

SIETE REGLAS DE ORO PARA EL CUIDADO DE LA VOZ

  • No fumar
  • Evitar el exceso de sustancias irritantes (café, alcohol, etc.)
  • Dormir y alimentarse bien
  • Realizar actividad física (evita la sobretensión de los músculos del cuello y la cara, y fortalece los que intervienen en la respiración
  • Aprender a relajarse
  • Si la voz se utiliza como elemento de trabajo, realizar un examen con el otorrinolaringólogo una vez al año. La visita anual también se recomienda en personas fumadoras de más de 10 cigarrillos por día.
  • Visitar al especialista ante cualquier alteración en la voz. El realizará el diagnóstico y, de ser necesario, derivará al paciente a un tratamiento fonoaudiológico.

CONDUCTAS QUE CONLLEVAN AL FONOTRAUMA. ALTERNATIVAS PARA
EVITARLO.


LLANTO

Está bien, todos somos humanos y no podemos evitar llorar en situaciones extremas, ni jugar a ser una estatua insensible porque tenemos un corazón, pero en esta sección daremos las razones por las cuales llorar excesivamente puede arruinar tus cuerdas vocales.

El llanto produce un daño en la glotis, porque en éste se produce un volumen pulmonar alto seguido por un fuerte incremento en la presión subglótica y un nivel de intensidad que puede exceder los 20 decibeles; la producción de voz hablada normal además conlleva un ataque glótico fuerte, un aumento en la actividad muscular extralaríngea e incluso episodios de diplofoníaPodemos identificar la polifonía porque se forman simultáneamente dos sonidos diferentes en la laringe. Sería algo así como cuando en las películas vemos a alguna posesión demoníaca y vemos que a la pobre víctima, antes de empezar a vomitar chorros y chorros verdes como en la película de El Exorcista, comienza a hablar con varias voces. Eso sería polifonía, pero la diplofonía son solamente dos voces.  La diplofonía puede ser causada por una diferencia de tensión en las cuerdas vocales  en casos de parálisis unilateral, o cuando un pequeño pólipo o un nódulo divide la hendidura vocal en dos glotis, produciendo en ambos casos dos sonidos distintos.

Inclusive se pueden producir hemorragias en los pliegues vocales luego de un llanto prolongado.

Evitar el llanto es difícil por ser de origen emocional. Lo que se busca es hacer conciencia sobre la necesidad de controlar la fuerza y la tensión en la musculatura extralaríngea en el momento que se presenta. O sea, si son cantantes o locutores pueden llorar, pero no griten como cerdos. O de última lloren silenciosamente, jeje.

Algunos profesionales recomiendan que se les disminuya el tiempo de llanto a los niños buscando una distracción que los haga disminuir el tiempo de llanto. No sé qué tanto será recomendable esto desde el punto de vista psicológico, pero eso es uno de los consejos para los niños.

De forma paliativa se plantea realizar reposo vocal inmediatamente después de presentarse el llanto prolongado, así como hacer ejercicios de relajación de la musculatura extralaríngea e intralaríngea.

CARRASPEO

El carraspeo o aclaramiento de la garganta es generalmente producido por la necesidad de limpiar la laringe de mucosidad, que suele presentarse asociado a factores alérgicos, cuadros gripales o reflujo gástrico. Otros individuos carraspean por hábito.

Esta conducta lleva a un contacto brusco y precipitado de los pliegues vocales facilitando procesos de irritación y edema.

Para disminuir la sensación de cuerpo extraño en la laringe causada por el moco y así la necesidad de carraspear, puede realizarse una deglución, que permite a la laringe relajarse y por la aducción de los pliegues vocales facilita que el moco sobre éstos, sea repelido.

Hacer ingesta de pequeños sorbos de agua igualmente ayuda, pues produce el efecto antes mencionado y además limpia e hidrata la mucosa laríngea.

Realizar una tos silenciosa, como un soplo con apoyo diafragmático hace que el moco sea removido de la glotis.

CONSUMO DE CAFEÍNA

Lamentablemente para nosotros, adictos irrecuperables de café, el consumo excesivo de cafeína tiene un efecto diurético y deshidrata el tejido de los pliegues vocales. Se debe controlar el consumo de bebidas que contengan cafeína, especialmente antes de una actividad que implique un uso de voz prolongada. Así que ya saben, nada de té, café, ni bebidas energizantes ya que tienen una concentración de cafeína mucho más elevada que el café. Ni les cuento speed con vodka… guárdenlo para después del festejo, cuando terminen de cantar, cuando pueden gritar, llorar, reír, tomar café, toser, y hacer todo lo que quieran junto para arruinar su garganta, así tienen un tiempo de recuperación suficiente para el próximo espectáculo.

Si no están dispuestos a la ingesta de bebidas descafeinadas,  pueden aumentar el consumo de agua e incluso adquirir el hábito de beber un vaso de agua por cada bebida con cafeína. Esta última opción es la mejor, porque le ayuda a nuestros riñones a que no trabajen en exceso, además que evita el mal aliento producto de la ingesta de café.

CONSUMO DE ALCOHOL

Produce deshidratación de las mucosas y tiene un efecto anestésico que lleva a disminuir la sensibilidad, favoreciendo un abuso de la voz. La ingesta en exceso de alcohol conduce a largo plazo a la atrofia de la mucosa de los pliegues vocales.

Se deben evitar las bebidas alcohólicas, especialmente antes de un uso profesional de la voz.

ENTRADA ORIGINAL: en Conjunto Vocal Raíces
FUENTES:

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MÚSICA Y RELIGIÓN PARTE 4

La música del Renacimientomúsica renacentista es la música clásica europea escrita durante el Renacimiento, entre los años 1400 y1600, aproximadamente. Las características estilísticas que definen la música renacentista son su textura polifónica, que sigue las leyes del contrapunto, y está regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano. Entre sus formas musicales más difundidas se encuentran la misa y el motete en el género religioso, el madrigal, el villancico y la chanson en el género profano, y las danzas, el ricercare y la canzona en la música instrumental. Entre los compositores más destacados de este periodo se hallan Josquin DesprezPalestrinaOrlando di Lasso yTomás Luis de Victoria.

Durante este período la música religiosa tuvo una creciente difusión, debida a la exitosa novedad de la impresión musical, que permitió la expansión de un estilo internacional común en toda Europa (e incluso en las colonias españolas en América). Las formas litúrgicas más importantes durante el Renacimiento fueron la misa y el motete.

La misa cubría el ciclo del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus y Agnus Dei) y se le solía dotar de unidad al basarse en material preexistente. Para ello se seguían dos procedimientos de composición principales:

  • Misa de cantus firmus: el autor toma una melodía preexistente, bien procedente del canto llano o bien de alguna canción profana, o incluso popular, y la sitúa en una de las voces, habitualmente la llamada Tenor. Las otras voces son creadas ex novo, completando una textura generalmente a cuatro voces, y son llamadas Cantus o Superius, Contratenor Altus (luego Altus) y Contratenor Bassus (luego Bassus). De estas denominaciones proceden los nombres actuales de las voces según sus tesituras. La misa de cantus firmus es típica del siglo XV; ejemplos de ella son las innumerables basadas en la canción L’homme armé, tales como las de Dufay, Busnois, Ockeghem, Guerrero, Morales, Palestrina…

Una variante de este tipo de misa es la de paráfrasis, en la que la melodía preexistente es fragmentada y repartida entre las cuatro voces, como ocurre en la Misa Pange Lingua de Josquin Desprez.

  • Misa parodia o de imitación: el compositor toma un motete o una canción polifónica anterior (propio o de otro autor), este ya de tipo polifónico, y utiliza el material melódico y armónico: motivos de imitación, cadencias típicas o a veces incluso fragmentos completos, pero reelaborando el material, añadiendo motivos y a veces voces nuevas, y siempre, naturalmente, cambiando el texto. Este es el procedimiento habitual en el siglo XVI, como ejemplifican la Misa Malheur me bat de Josquin Desprez, basada en una canción de Ockeghem, o la Misa Mille regretz de Cristóbal de Morales, basada a su vez en una canción de Josquin.

El motete renacentista era una pieza polifónica de texto sacro y en latín. Deudor en un principio del motete medieval, del cual procedía, pronto asumió una continua textura imitativa de voces de igual importancia (en número cada vez mayor: cuatro en el siglo XV, cinco o seis a finales del XVI), con frases musicales imbricadas y nuevos motivos para cada frase textual. En el motete el autor generalmente creaba material puramente original, sin tomar préstamos ajenos como en la misa. En el siglo XVI se desarrollan amplios motetes bipartitos y, en la escuela veneciana, los policorales, para ocho o incluso doce voces. Ejemplos sobresalientes de motete renacentista son el Ave María de Josquin o el Lamentabatur Jacob de Morales.

Géneros sagrados importantes, ya en lengua vernácula, fueron el villancico religioso español, el madrigal espiritual, la lauda italiana y el coral luterano.

ESTE MOTETE: AVE MARIA DE TOMÁS LUIS DE VICTORIA, COMPOSITOR ESPAÑOL DEL SIGLO XVI ES UNO DE LOS MÁS CONOCIDOS Y CANTADOS POR LOS COROS, ES DE UNA BELLEZA MUY INSPIRADA, ESTE AUTOR SE LO CONSIDERA MÍSTICO COMO SAN JUAN DE LA CRUZ Y SU MÚSICA SE COMPARA CON LAS PINTURAS DE RAFAEL SANZIO

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MÚSICA Y RELIGIÓN. Parte 3

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El Canto Gregoriano

Historia

El origen del Canto Gregoriano y la liturgia

El nombre de canto gregoriano proviene del papa Gregorio I (590-604), quien introdujo importantes modificaciones en la música eclesiástica utilizada hasta ese momento para la liturgia del rito romano. Además de dichas modificaciones, fue autor de numerosas obras y melodías, como la Regula pastoralis, el Libri quattuor dialogorum o diversas homilías.

La música en la liturgia cristiana existente hasta entonces tenía su origen en las sinagogas judías, por lo que fue, al principio, exclusivamente vocal, sin la utilización de instrumentos musicales y con predominio de la lengua helenística; para ello, un cantor solista, generalmente el sacerdote, dirigía los rezos, que eran contestados por los asistentes a la celebración mediante la utilización de sencillos motivos.

Poco a poco, en Occidente fue evolucionando, y se produjeron tres cambios importantes:

  • Apareció a finales del siglo VII un pequeño grupo de cantores elegidos que asumió el papel del solista, la “schola”
  • La utilización del latín como lengua principal obligó a traducir los salmos utilizados hasta entonces a prosa latina
  • La Iglesia Romana empezó a considerar como excesivo el empleo de los himnos en las funciones litúrgicas, y se buscó más el carácter improvisatorio de los cánticos, de forma que fuesen más la expresión libre de los sentimientos de los celebrantes.

Es en este marco donde encaja el Canto Gregoriano, como fuente de inspiración para la música eclesiástica occidental, sobre todo en ciertas partes de la celebración eucarística, como el Introito, el Ofertorio y la Comunión.

Son muy escasos los ejemplos de cantos escritos que han llegado hasta nosotros de los primeros siglos del cristianismo, pero hay que destacar el Códice Alejandrino, un salterio del siglo V que contiene trece de los cánticos empleados en el desarrollo de la liturgia. En esas obras se recogen los textos, pero no la forma de entonar los cantos, por lo que la aparición de una rudimentaria forma de notación musical en Hispania o en la Galia, durante el siglo IX, supuso un gran avance al respecto.


La reforma carolingia

Entre los años 680 y 730, con los primeros carolingios, se produjo la refundición del repertorio romano existente en lo que desde entonces pasó a conocerse como Canto Gregoriano, en centros como Corbie, Metz o Sankt Gallen, y ello permitió su rápida divulgación por el norte de Europa. Los ritos anteriores eran, básicamente, el céltico, elambrosiano, el galicano y el mozárabe o visigótico; todos ellos, enfrentados al rito romano tradicional, fueron desapareciendo paulatinamente tras la aparición de la liturgia Gregoriana, aceptada definitivamente a finales del siglo X.

Pipino el Breve, padre de Carlomagno, fue consagrado como rey de los francos por el papa Esteban II, quien se encontró con que en el reino se practicaba un rito distinto del romano, el galicano.

Desde ese momento, Roma empezó a formar chantres enviados desde la Galia y a suministrar libros que permitiesen llevar a cabo la reforma de la liturgia; lasescuelas de RouenMetz se convirtieron en centros fundamentales de enseñanza del canto gregoriano. El repertorio impuesto inicialmente fue ampliado por los carolingios con piezas nuevas, y llegaron a ser tan numerosas que se vio pronto la necesidad de conservarlas por escrito, incluyendo la melodía. Para conseguir esto último, aparecieron unos signos aislados similares a acentos del lenguaje, los neumas; para lograr una mejor representación de los sonidos, los neumas se agrupaban o separaban en función del lugar exacto en que se localizaba cada sonido.


Apogeo del Canto Gregoriano

Este primer esquema iba a experimentar importantes modificaciones en los siglos posteriores, que se centran, básicamente, en cuatro puntos: la introducción del pautado hacia 1050, la diferencia entre las modalidades de ejecución, la generalización del canto a varias voces, con la aparición de la polifonía, y la imposición del compás regular.

En primer lugar, durante el siglo XI quedaron establecidas las reglas que iban a determinar la notación musical de una forma homogénea, y los neumas se convertirían con el tiempo en lo que hoy son notas musicales, mediante la indicación del tono y la duración de cada sonido; para ello, se anotaban en un tetragrama, antecedente del pentagrama actual.

La ejecución pasó a ser de dos tipos: silábico, cuando cada sílaba del texto se corresponde con una única nota, o melismático, cuando cada sílaba es entonada por más de una nota musical.

La polifonía marcó un hito importante. Hasta el siglo IX, el canto era exclusivamente monódico, es decir, con una sola melodía. Mediante la polifonía, se combinan sonidos y melodías distintas y simultáneas para cada nota musical. Un sencillo ejemplo de ello es el canto conjunto de hombres y mujeres, que combina voces agudas con graves. Finalmente, el compás permitió mantener un equilibrio entre distintas voces superpuestas, pues introducía un elemento de medida, imponiendo un ritmo más o menos preciso.


El declive y la situación actual

Dichas innovaciones condujeron al Canto Gregoriano hacia una situación de crisis que se vio agravada con el Renacimiento, mucho más inclinado a recuperar las tradiciones de la antigüedad clásica. Tras el Concilio de Trento, la Santa Sede decidió reformar todo el canto litúrgico, encomendando inicialmente tal misión a Giovanni Palestrina y Aníbal Zoilo en 1577, pero en los siglos posteriores fueron desapareciendo poco a poco los rasgos principales: eliminación de las melodías en los manuscritos, supresión de los signos y desaparición del viejo repertorio.

Sin embargo, con la instalación de los benedictinos en laabadía de Solesmes en 1835, se produjo su resurgimiento, reforzado con la creación de una escuela para organistas y maestros cantores laicos, gracias a Luís Nierdermeier en 1853. Poco a poco, el Canto Gregoriano se ha ido recuperando y, desde la citada abadía, se ha ido extendiendo a otras, como SilosMontserratMaría Laach, recuperándose gran número de manuscritos de los siglos X al XIII. En las abadías, el monje se identifica con la vida monástica a través de la oración, recitada siempre según el Canto Gregoriano, siete veces al día: maitines, laudes, tercia, sexta, nona, vísperas y completas.

(Autor del artículo/colaborador de ARTEGUIAS: Javier Bravo)

ENTRADA ORIGINAL: arteguias.com

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